Quartier du Ministère de la culture

La Victoire de Samothrace (en grec ancien Νίκη της Σαμοθράκης / Níkê tês Samothrákês) est une sculpture grecque de l'époque hellénistique représentant la déesse Niké, personnification de la victoire. Elle est actuellement conservée au musée du Louvre. Une reproduction de l'œuvre est située sur l'esplanade de l'Europe dans le quartier Antigone à Montpellier.

La statue est découverte en morceaux le 15 avril 1863, sur l'île de Samothrace, par Charles Champoiseau, vice-consul de France par intérim à Andrinople, au cours d'une mission d'exploration^[1]. Le buste et le corps permettent à Champoiseau d'identifier une représentation de Niké, la Victoire, traditionnellement représentée comme une femme ailée. Les morceaux sont envoyés au musée du Louvre.En 1875, une mission archéologique autrichienne fouille de nouveau le site. On identifie alors les gros blocs de marbre gris trouvés à proximité comme la proue d'un navire servant de base à la statue, représentation qui se retrouve sur des tétradrachmes de Démétrios Poliorcète frappés suite à sa victoire sur Ptolémée I^er à Salamine de Chypre, en 306 av. J.-C.^[2] La statue est alors restituée selon ce modèle, c'est-à-dire avec une trompette à la main. Cependant, la découverte en 1950 par Jean Charbonneaux d'une main droite a contredit cette théorie : largement ouverte et les doigts tendus, la main ne tient pas d'attribut^[3].Les relevés permettent également de montrer que le monument était disposé obliquement dans un exèdre rectangulaire situé à l'extrémité d'une terrasse à flanc de colline qui surplombe le théâtre du sanctuaire des Grands Dieux^[4]. La vue normale de la statue est donc son trois-quarts gauche, comme l'atteste la disparité importante de finition entre les deux côtés de la statue — celle du côté droit est très rudimentaire^[5]. Sur ces bases, et à l'aide de quelques moulages (aile droite, sein gauche, dos du buste), une reconstitution complète est effectuée au Louvre en 1884. La statue est placée sur le palier supérieur de l'escalier Daru, où elle se trouve toujours.

Le Baiser d'Auguste Rodin est une sculpture en marbre d'un couple enlacé, créée par Auguste Rodin à la demande de l'État français pour l'Exposition universelle de Paris de 1889.

Le Baiser est à l'origine un des très nombreux motifs de son œuvre magistrale La Porte de l'enfer, commandée par l'État Français, inspirée par La Divine Comédie de Dante et des Fleurs du mal de Charles Baudelaire pour le Musée des Arts décoratifs, prévue à l'emplacement des ruines de la Cour des Comptes à Paris.Le couple fut plus tard séparé de la porte, et remplacé par une paire d'amants dans la colonne inférieure droite. Les nombreuses figures que Rodin créa pour le projet furent un vivier d'idées pour certaines de ses sculptures indépendantes, comme « le Baiser » ou Le Penseur.La méthode utilisée par Rodin pour faire ses sculptures de grande taille consistait à employer des sculpteurs qui taillaient à l'échelle un modèle plus petit dans un matériau plus facile à tailler que le marbre et une fois terminées, Rodin donnait la dernière touche lui-même.Avant de créer la version en marbre, Rodin a produit plusieurs sculptures plus petites en plâtre, terre cuite et bronze. L'œuvre fut d'abord appelée Francesca da Rimini, d'après le nom d'un des personnages de l'enfer dans la Divine Comédie de Dante, qui tomba amoureuse de son beau frère, Paolo Malatesta, lui aussi marié. Les amoureux furent surpris et assassinés par le mari de Francesca pendant qu'ils lisaient ensemble l'histoire de Lancelot et la reine Guenièvre. Dans le Baiser, on peut voir le livre dans la main de Paolo. Quand les critiques d'art virent la sculpture dans 1887, ils suggérèrent un titre moins spécifique que Francesca da Rimini et proposèrent le Baiser.En 1888, le gouvernement français chargea Rodin de la première version en marbre de grande taille du Baiser, il apparut pour la première fois au Salon de Paris en 1898. Elle fut si populaire, que le fondeur Ferdinand Barbedienne proposa à Rodin un contrat pour en éditer des réductions en bronze.

Le tableau (24x33cm.)représente les célèbres montres molles devant un paysage de Catalogne. Dalí a voulu représenter le mou opposé au dur sur cette peinture datant de 1931. Dalí a d'abord peint le décor de cette toile, un paysage désertique de Port Lligat, où Gala, sa femme et lui avaient acheté une maison de pêcheur. Après sa première esquisse, il ne savait pas comment compléter le tableau. C'est au moment d'aller dormir qu'il se souvint de la mollesse du camembert qu'il avait mangé plus tôt. Appliquant sa méthode surréaliste, dite par lui-même paranoïa-critique, il laissa la mollesse du camembert se présenter à son imagination et réinterpréter sa hantise de la mort, comme mollesse du temps, en montres molles. Sur le sol à droite, apparaît une nouvelle évocation du "Grand Masturbateur".Il reprend cette évocation vingt ans plus tard, sous l'influence manifeste de sa lecture artistique des avancées scientifiques (de la physique quantique en particulier), avec une toile intitulée "Désintégration de la persistance de la mémoire".

Le Sacre de Napoléon est un tableau peint entre 1805 et 1807 par Jacques-Louis David peintre officiel de Napoléon I^er qui représente une des cérémonies du couronnement. Imposante par ses dimensions, presque dix mètres sur plus de six, la toile de David est conservée au Louvre. Une copie commencée en 1808 et terminée lors de l'exil du peintre à Bruxelles est accrochée au musée du château de Versailles. Le couronnement et le sacre ont eu lieu à Notre-Dame de Paris.

L'œuvre est commandée oralement par Napoléon I^er en septembre 1804. David commence sa réalisation le 21 décembre 1805 dans l'ancienne chapelle du collège de Cluny, près de la Sorbonne, qui lui sert d'atelier. Assisté par son élève Georges Rouget, il met la touche finale en novembre 1807. Du 7 février au 21 mars 1808, l'œuvre est exposée au Salon de peinture annuel ; en 1810, elle est présentée au concours des prix décennaux. Le tableau reste la propriété de David jusqu'en 1819, année où il est cédé aux musées royaux. Ceux-ci l'entreposent dans les réserves jusqu'en 1837. Il est alors installé dans la salle du Sacre du musée historique du château de Versailles sur ordre du roi Louis-Philippe. En 1889, il est expédié au musée du Louvre, et remplacé à Versailles par une réplique tardive de la main du peintre.

un joli musée merci pour cette expo

Les Tournesols est une série de sept tableaux très célèbres de Vincent Van Gogh qui a été peinte entre 1888 et 1889.Cette série de nature morte se compose notamment de trois peintures semblables avec quinze tournesols dans un vase et deux peintures similaires avec douze tournesols dans un vase. C'est en août 1888, alors qu'il habitait à Arles (France) que Van Gogh a réalisé le premier vase avec douze tournesols, qui est aujourd'hui exposé au musée Neue Pinakothek à Munich en Allemagne, ainsi que le premier vase avec quinze tournesols, qui est maintenant à la National Gallery de Londres en Angleterre. Les autres peintures ont été peintes en janvier l'année suivante.Les peintures montrent des tournesols dans toutes les étapes de leur vie, tout en fleur jusqu'au flétrissement. Les tableaux étaient innovateurs pour l'époque grâce à l'utilisation d'un large spectre de jaunes rendu possible par l'invention de nouveaux colorants.Au départ, Van Gogh a peint les premiers tournesols pour décorer la chambre à coucher de son ami Paul Gauguin. En 1891, l'écrivain Octave Mirbeau en achète un au père Tanguy pour 300 francs (900 euros).En mars 1987, même ceux n'ayant aucune affinité pour l'art ont appris l'existence de la série "Les Tournesols" lorsque le magnat japonais de l'assurance, Yasuo Goto, a acheté l'un des tableaux pour l'équivalent de 40,8 millions d'euros lors d'une vente aux enchères chez Christie's à Londres, prix qui constituait à l'époque un record pour une œuvre de Van Gogh.

Le Déjeuner sur l'herbe est un tableau d'Édouard Manet datant de 1862-1863, d'abord intitulé Le Bain, puis La Partie carrée, qui a provoqué un scandale lorsqu'il a été proposé au Salon de Paris.La juxtaposition d'une femme nue et de deux hommes tout habillés a suscité la controverse lorsque l'œuvre a été exposée pour la première fois au Salon des Refusés en 1863.
Le Déjeuner sur l'herbe est la plus grande toile d'Édouard Manet, celle où il a réalisé le rêve que font tous les peintres : mettre des figures de grandeur naturelle dans un paysage. On sait avec quelle puissance il a vaincu cette difficulté. Il y a là quelques feuillages, quelques troncs d'arbres, et, au fond, une rivière dans laquelle se baigne une femme en chemise ; sur le premier plan, deux jeunes gens sont assis en face d'une seconde femme qui vient de sortir de l'eau et qui sèche sa peau nue au grand air. Cette femme nue a scandalisé le public, qui n'a vu qu'elle dans la toile. Bon Dieu ! quelle indécence : une femme sans le moindre voile entre deux hommes habillés ! Cela ne s'était jamais vu. Et cette croyance était une grossière erreur, car il y a au musée du Louvre plus de cinquante tableaux dans lesquels se trouvent mêlés des personnages habillés et des personnages nus. Mais personne ne va chercher à se scandaliser au musée du Louvre. La foule s'est bien gardée d'ailleurs de juger Le Déjeuner sur l'herbe comme doit être jugée une véritable œuvre d'art ; elle y a vu seulement des gens qui mangeaient sur l'herbe, au sortir du bain, et elle a cru que l'artiste avait mis une intention obscène et tapageuse dans la disposition du sujet, lorsque l'artiste avait simplement cherché à obtenir des oppositions vives et des masses franches. Les peintres, surtout Édouard Manet, qui est un peintre analyste, n'ont pas cette préoccupation du sujet qui tourmente la foule avant tout ; le sujet pour eux est un prétexte à peindre tandis que pour la foule le sujet seul existe. Ainsi, assurément, la femme nue du Déjeuner sur l’herbe n’est là que pour fournir à l'artiste l'occasion de peindre un peu de chair. Ce qu'il faut voir dans le tableau, ce n’est pas un déjeuner sur l'herbe, c'est le paysage entier, avec ses vigueurs et ses finesses, avec ses premiers plans si larges, si solides, et ses fonds d'une délicatesse si légère ; c'est cette chair ferme modelée à grands pans de lumière, ces étoffes souples et fortes, et surtout cette délicieuse silhouette de femme en chemise qui fait dans le fond, une adorable tache blanche au milieu des feuilles vertes, c’est enfin cet ensemble vaste, plein d'air, ce coin de la nature rendu avec une simplicité si juste, toute cette page admirable dans laquelle un artiste a mis tous les éléments particuliers et rares qui étaient en lui. »

Masque mortuaire de TOUTANKHAMON
La XVIII^e dynastie (-1550/-1292) est souvent assimilée à l'apogée de la civilisation égyptienne antique. Elle clôt la longue deuxième période intermédiaire égyptienne et ouvre le Nouvel Empire avec l'expulsion des Hyksôs, peuplade asiatique qui occupait le pays jusqu'à Abydos et dont la capitale était Avaris.Ahmosis, issu d'une famille thébaine, entreprit de marcher contre les Hyksôs afin de réunir les Deux Terres, comme ses prédécesseurs Séqénenrê Taâ II et Kamosé l'avaient tenté avant lui. Son expédition fut couronnée de succès et, après la prise d'Avaris, les fuyards furent poursuivis jusque dans leur citadelle de Sherouhen, en Palestine. Ces événements sont documentés par l’autobiographie qu’un compagnon d’armes du roi, Ahmès fils d'Abana, fit graver sur les parois de sa tombe à El Kab. On retrouva également dans la tombe de la mère du roi, la reine Iâhhotep, des armes de parade, dons du roi à sa mère et signe des temps.À dater de cette victoire, la politique des pharaons de la XVIII^e dynastie fut d'étendre la domination de la Double Couronne au-delà des limites du pays.Les Amenhotep et Thoutmôsis repoussèrent les frontières jusqu'en Nubie, à la 4^e cataracte, et jusqu'à l'Euphrate, édifiant forteresses et sanctuaires, créant des protectorats et passant alliance avec les empires voisins de Mitanni ou Babylone. Des expéditions commerciales furent organisées vers de lointains pays comme la Crète ou vers le pays de Pount, à l'époque d'Hatchepsout. Des conditions exceptionnelles de paix et les tributs envoyés par les pays soumis ouvrirent une période d’un faste inouï, et incroyablement féconde au niveau artistique sous Amenhotep III, avec la construction de monuments imposants tels que le temple de Louxor, l'agrandissement du temple d'Amon-Rê à Karnak, le temple funéraire du roi, appelé son Château des Millions d'Années, dont il subsiste les colosses de Memnon...L'Égypte et la Nubie se couvrent de sanctuaires et le prestige de pharaon rayonne du bassin méditerranéen à l'Afrique tropicale, des déserts de Libye aux frontières de l'Anatolie, maître d'un immense empire dont le centre est Ouaset, la Thèbes des Grecs.Cette période vit aussi naître de profonds changements dans la conception du divin, avec le développement du culte monothéiste d'Aton, dont Amenhotep IV se proclamera le prophète en changeant son nom en Akhénaton. Il ira jusqu'à déplacer sa capitale de Thèbes à Akhetaton, « l'Horizon d'Aton », à interdire les cultes des autres divinités, et fera même marteler le nom et les images d'Amon-Rê partout où elles se trouvaient.Le second successeur d'Akhénaton, Toutânkhaton, restaura les cultes divins et changea son nom en Toutânkhamon. Mort très jeune, il fut inhumé avec un mobilier funéraire d'une incroyable richesse qui est parvenu jusqu'à nous grâce à la découverte de sa tombe quasiment intacte par Howard Carter en 1922.Après le règne éphémère d’Aÿ, la XVIII^e dynastie s'achève avec la prise du pouvoir par un général d'Akhénaton, Horemheb, qui ouvre ainsi la voie à la XIX^e dynastie, celle des Ramsès, Séthi et Mérenptah.

La Cène (en italien Il Cenacolo, parfois traduit par « Le Cénacle ») de Léonard de Vinci est une peinture murale à la détrempe (tempera), de 460 cm sur 880 cm, réalisée de 1494 à 1498 pour le réfectoire du couvent dominicain de Santa Maria delle Grazie à Milan.

La salle du réfectoire de Santa Maria delle Grazie mesure environ 35 x 9 m. Depuis l’époque de Léonard, le sol a été rehaussé et les fenêtres agrandies.Léonard a représenté la Cène : le dernier repas de Jésus de Nazareth entouré de ses douze apôtres, le jeudi saint, veille de sa crucifixion. Il suit là une vieille tradition monastique. Depuis le Moyen Âge les murs des réfectoires sont illustrés de la Cène. « Ainsi, durant leur repas, les moines avaient-ils sous les yeux, (…) l’image de celui que partagea leur Seigneur pour la dernière fois^[1] ».
Grâce à une copie contemporaine de la Cène^[2], nous pouvons identifier chacun des personnages. Il s’agit, de gauche à droite, de Barthélemy, Jacques le Mineur, André, Judas, Pierre, Jean ou bien Marie-Madeleine, Jésus, Thomas, Jacques le Majeur, Philippe, Matthieu, Thaddée et Simon. La fresque est surmontée des trois blasons de la dynastie des Sforza. Au centre celui de Ludovic Sforza et de son épouse, Béatrice d’Este, à gauche, celui de son fils aîné, Massimilo et à droite, celui de son autre fils, François.Sur le mur opposé, le peintre milanais Giovanni Donato Montorfano a peint (en 1495) la Crucifixion^[3]. Sur le mur ouest figure un tympan vide. Tout au long de l’architrave court une frise de motifs géométriques encadrant des niches à la gloire des saints et des Bienheureux dominicains.Grâce au témoignage de Goethe^[4], nous savons que les bancs des moines étaient installés le long des murs latéraux, tandis que le prieur était adossé à la Crucifixion de Montorfano, faisant ainsi face à la Cène de Léonard.

Le Penseur est l'une des plus célèbres sculptures en bronze d'Auguste Rodin. Elle représente un homme en train de méditer, semblant devoir faire face à un profond dilemme.

Tout d'abord appelée Le Poète, cette pièce fait partie d'une commande du Musée des Arts décoratifs de Paris qui voulait créer un portail monumental basé sur La Divine Comédie de Dante. Chacune des statues de cette pièce représentait l'un des personnages principaux du poème épique. Le Penseur devait au départ représenter Dante devant les portes de l'Enfer, méditant sur son poème. L'homme sculpté est nu car Rodin voulait que sa figure héroïque à la Michel-Ange représente aussi bien la réflexion que la poésie.Rodin a réalisé le modelage original en plâtre de 71,5 cm de haut vers 1880, celui-ci a été exposé pour la première fois à Copenhague en 1888.Le premier moulage en bronze est achevé en 1902, mais n'est présenté au public qu'en 1904. Devenu la propriété de la ville de Paris grâce à une campagne de dons organisée par des admirateurs de Rodin, il est placé devant le Panthéon en 1914, avant d'être transporté en 1922 à l'Hôtel Biron, transformé en Musée Rodin.

Les Joueurs de cartes de Paul Cézanne ont fait l'objet de plusieurs versions de la part de l'artiste. La première composition comporte plusieurs personnages, mais au fur et à mesure que Cézanne traite le sujet, il en réduit le nombre jusqu'à aboutir à une composition à deux personnages dont le caractère évoque une nature morte.Dans la version à quatre personnages, une lumière diurne blafarde à la tonalité bleue et froide domine le tableau. Les visages et les mains des joueurs sont peints dans un ton chaud d'orange qui indique la concentration, la tension intérieur sous une apparence tranquille. Ce contraste est repris en haut à droite dans la tenture bouffante et dans la blouse bleue du personnage de droite.Dans la version à deux personnages, la composition est totalement différente. L'arrière-plan est presque complètement sombre et seules quelques bandes claires offrent un indice sur la localisation, probablement la terrasse couverte d'un café. Chaque détail du tableau a sa fonction pour l'effet d'ensemble. Rien n'est laissé au hasard. Refusant toute mise en scène naturaliste ou représentation anecdotique, Cézanne parvient ici à réaliser une composition soigneusement conçue, constituée de lignes axiales et de correspondances chromatiques et formelles, dans laquelle sont immortalisées de la même manière monumentalité et intimité.

Magnifique le toutankhamon !!! Merci beaucoup j'apprécie énormément l'art Egyptien

La Mort de Marat (ou Marat assassiné) est un tableau de Jacques Louis David peint en 1793. Il est conservé aux musées royaux des beaux-arts de Belgique (Bruxelles).On y voit Jean-Paul Marat, révolutionnaire français assassiné chez lui le 13 juillet par Charlotte Corday. L’inscription À Marat, David qu’on retrouve sur la boîte de bois, dont la forme suggère une pierre tombale, indique qu’il s’agit d’un hommage à Marat que le peintre connaissait personnellement, et qu’il avait vu, dira-t-il, la veille de sa mort, tel qu’il l’a représenté (dans cette baignoire où il soignait sa maladie de peau).
HISTOIRE DE L'ŒUVRE:
À la suite de l’annonce à la Convention de la mort de Marat le 14 juillet 1793, le député Guiraut réclame à David de faire pour Marat ce qu’il avait fait pour Lepeletier de Saint-Fargeau, à savoir, représenter la mort du conventionnel par ses pinceaux. Le 14 novembre 1793, David offre à la Convention le portrait de Marat, dès lors exposé avec son autre et précédent tableau (aujourd’hui disparu) : La Mort de Lepeletier de Saint-Fargeau. En février 1795, le principe de restitution des deux œuvres au peintre est acquis : il les récupère quelques mois plus tard, pour les conserver dans son atelier. Durant son exil à Bruxelles, les deux tableaux sont confiés à Antoine Jean Gros qui les cache à Paris. Début 1826, suite au décès de David le 29 décembre 1825, le portrait de Marat entre en la possession des héritiers du peintre qui organisent plusieurs expositions dans l’intention de le vendre, mais sans succès. Jules David, dernier propriétaire du tableau, le lègue au musée de Bruxelles en 1886. Il y est accroché depuis 1893. Plusieurs copies du tableau (restées aujourd’hui visibles) ont été réalisées, à fin de propagande, dans l’atelier de David, de 1793 à 1794, notamment par Serangeli et Gérard.

François I^er (1494 – 1547), dit le Père et Restaurateur des Lettres, le Roi Chevalier, le Roi Guerrier, le Grand Colas, le Bonhomme Colas ou encore François au Grand Nez^[1], est sacré roi de France le 25 janvier 1515 dans la cathédrale de Reims, et règne jusqu’à sa mort en 1547. Fils de Charles d’Angoulême et de Louise de Savoie, il appartient à la branche de Valois-Angoulême de la dynastie capétienne.François I^er est considéré comme le monarque emblématique de la période de la Renaissance française^[2]. Son règne permet un développement important des arts et des lettres en France. Sur le plan militaire et politique, le règne de François I^er est ponctué de guerres et d’importants faits diplomatiques.Il a un puissant rival en la personne de Charles Quint et doit compter sur les intérêts diplomatiques du roi Henri VIII d’Angleterre toujours désireux de se positionner en allié de l’un ou l’autre camp. François I^er enregistre succès et défaites mais interdit à son ennemi impérial de concrétiser ses rêves, dont la réalisation toucherait l’intégrité du royaume. L'antagonisme des deux souverains catholiques a de lourdes conséquences pour l’Occident chrétien: il facilite la diffusion de la Réforme naissante et surtout permet à l'Empire ottoman de s'installer aux portes de Vienne en s'emparant de la quasi-totalité du royaume de Hongrie.Au plan intérieur, son règne coïncide en effet avec l'accélération de la diffusion des idées de la Réforme. La mise en place de la monarchie absolue et les besoins financiers liés à la guerre et au développement des arts induisent la nécessité de contrôler et optimiser la gestion de l'État et du territoire. François I^er introduit une série de réformes touchant à l'administration du pouvoir et en particulier à l'amélioration du rendement de l'impôt, réformes mises en œuvre et poursuivies sous le règne de son successeur Henri II.

Louis XIV (Louis Quatorze ou, jusqu'au XVII^e siècle inclus, Louis Quatorzième), prénommé à sa naissance Louis-Dieudonné et surnommé par la suite le Roi-Soleil ou Louis le Grand (Saint-Germain-en-Laye, 5 septembre 1638 – Versailles, 1^er septembre 1715) est, du 14 mai 1643 jusqu’à sa mort, roi de France et de Navarre, le troisième de la maison de Bourbon de la dynastie capétienne. Son règne, long de 72 ans dont 54 ans de pouvoir personnel, est le plus long règne connu dans l'histoire de France et même d'Europe.Louis XIV accède au trône quelques mois avant son cinquième anniversaire, mais, après une minorité marquée par la révolte de la Fronde (1648-1653), il n’assume personnellement le contrôle du gouvernement qu’à partir de la mort de son ministre principal, le Cardinal Mazarin, en 1661. Il ne prend alors plus de ministre principal. Monarque, il accentue encore son rôle direct dans l'État après la mort de ses puissants ministres Colbert (1683) et Louvois (1691). Son règne marque l'apogée de la construction séculaire d'un absolutisme royal de droit divin. Son autorité absolue se déploie avec la fin des grandes révoltes nobiliaires, parlementaires, protestantes et paysannes, qui marquaient la vie du royaume depuis plus d'un siècle. Revers de la médaille, il réduit presque à néant la liberté de la presse, limitant les courants d'opinion y compris littéraires ou religieux.Louis XIV mène la diplomatie et la guerre à son gré et accroît le territoire de la France et sa puissance en Europe par plusieurs séries de guerres européennes. Il fait fortifier les villes conquises par Vauban et entoure ainsi les nouvelles frontières de leur « ceinture de fer », dans le cadre d'une politique territoriale de « pré carré » qui redessine et rationalise les limites du pays.Son gouvernement personnel coïncide également avec un effort de développement économique, commercial et colonial, mené notamment par son ministre Colbert, volet économique de la recherche de la prédominance française. Le prestige culturel s'affirme grâce à la présence de figures artistiques protégées par le mécénat royal, telles que Molière, Racine, Boileau, Lully, Le Brun et Le Nôtre. D'autres, plus indépendants, tels le poète La Fontaine, le philosophe Blaise Pascal, l'épistolaire Madame de Sévigné, le moraliste La Bruyère ou le mémorialiste Saint-Simon font également du règne l'apogée historique du classicisme français. Sous son règne, la France acquiert une prééminence européenne économique, politique et militaire et le prestige de la France, de son peuple, de son langage parlé par les élites et dans toutes les cours d'Europe et bien sûr de son roi permet, dès son vivant, de parler du « siècle de Louis XIV », sur le modèle des siècles de Périclès et d'Auguste ou encore du « Grand Siècle ».Le roi met aussi en place un État centralisé et absolutiste. Il le dirige après 1682 depuis le vaste château de Versailles, dont il a ordonné la construction. Ce dernier, modèle architectural de nombreux palais européens, est le cadre d'une étiquette très élaborée à laquelle il soumet la noblesse de cour, qu'il tient étroitement en main auprès de lui. Louis XIV réduit aussi le rôle des Parlements, réprime les révoltes antifiscales paysannes, entretient un très long bras de fer avec les jansénistes et prend la décision controversée de la révocation de l'édit de Nantes en 1685.La fin de son long règne est ternie par l'exode des protestants persécutés, par une série de revers militaires, par la famine de 1693 et celle de 1709 qui font près de deux millions de morts, par la révolte engendrant la guerre des Camisards et par de nombreux décès dans la famille royale. Mais la régence de son successeur, Louis XV, âgé de cinq ans à la mort de son arrière-grand-père, se déroule sans heurts, ce qui témoigne de la stabilité du royaume établie par le monarque.Habité par l'idée de sa gloire et de son droit divin, soucieux d'accomplir en permanence son « métier de roi », Louis XIV est devenu l'archétype du monarque absolu.

Bon boulot mayak ca peut pas faire de mal.
Nikkos tu as tres bon gout lool ^^

Sinon j'aimerais ajouter un lien d'art assez personnel on va dire.

Je rappel ainsi qu'il existe une galerie sur le forum (dans la barre de navigation en haut)

dans cette galerie vous y trouverez des photos déposée par des membres ou des membres eux meme.
Je vois qu'il y a es siecle que ca n'a plus bougé de ce côté la donc on peut dire que ce sont aussi desiquité mayak? mdr

https://alliancepax.forumperso.com/gallery/index.htm

Louis IX de France^[1], plus connu sous le nom de Saint Louis depuis sa canonisation par l'Église catholique en 1297, est né le 25 avril 1214 à Poissy^[2] et mort le 25 août 1270 à Tunis pendant la huitième croisade. Il fut roi de France de 1226 à 1270, neuvième de la dynastie des Capétiens directs.Il est le fils de Louis VIII (1187-1226), dit Louis le Lion, roi de France, et de Blanche de Castille (1188-1252). Il est aussi le frère aîné de Charles I^er de Sicile (1227-1285), comte d'Anjou, qui fonda la seconde dynastie angevine.Il développa notamment la justice royale où le roi apparaît alors comme « le justicier suprême ».

Henri IV, né Henri de Bourbon (13 décembre 1553^[3] à Pau - 14 mai 1610 à Paris) fut roi de Navarre (Henri III de Navarre, 1572-1610) puis roi de France (1589-1610), premier souverain français de la branche dite de Bourbon de la dynastie capétienne.Il était le fils de Jeanne III, de son nom patronymique Jeanne d'Albret, reine de Navarre et d'Antoine de Bourbon, chef de la maison de Bourbon, descendant du roi Louis IX et premier prince de sang^[4]. En vertu de la « loi salique » cette filiation fera d'Henri le successeur naturel du roi de France à la mort de François, duc d'Anjou (frère et héritier du roi Henri III), en 1584.Contemporain d'un siècle ravagé par les guerres de religion, il y fut d'abord lourdement impliqué en tant que prince de sang et chef protestant avant d'accéder au trône de France. Pour être accepté comme roi, il se convertit au catholicisme, et signa l'Édit de Nantes, traité de paix autorisant la liberté de culte pour les protestants, qui mit fin pendant deux décennies aux guerres de religion. Il fut assassiné le 14 mai 1610 par un fanatique charentais, François Ravaillac, rue de la Ferronnerie à Paris.

elanos a écrit:

Bon boulot mayak ca peut pas faire de mal.
Nikkos tu as tres bon gout lool ^^

Sinon j'aimerais ajouter un lien d'art assez personnel on va dire.

Je rappel ainsi qu'il existe une galerie sur le forum (dans la barre de navigation en haut)

dans cette galerie vous y trouverez des photos déposée par des membres ou des membres eux meme.
Je vois qu'il y a es siecle que ca n'a plus bougé de ce côté la donc on peut dire que ce sont aussi desiquité mayak? mdr

https://alliancepax.forumperso.com/gallery/index.htm

J'avais jamais fait attention a ca